Mirar del otro lado

Un backstage de la filmación del videoclip "Crimen", para ver como se ve una filmación un poco mas profesional en un marco mas allá de la pantalla.

Tips para un corto

¿Acaso usted sufre de que no sabe que carajo hacer cuando Pablo le dice, "entregalo para el 27"? ¿ Se siente perdido, desorientado?  No se preocupe mas, he aquí un hallazgo difícil de encontrar, útil para la dama y el caballero, que le ayudara con su problema. ¡Un chileno copado! Y que además aporta ayuda sobre el tema. Lea nomas!

1. Una buena historia: El listado de flan comienza básicamente igual, con una buena idea, ¿por qué entonces yo digo historia? porque muchas veces hay buenas ideas, pero al no contar con la persona que la redacte de la manera necesaria terminamos con una buena idea, pero con una mala historia. Desprendemos de esto entonces que necesitaremos para nuestro primer corto un tipo genial que nos transforme nuestra buena idea en una mejor historia.
2. Elige bien al Crew: Siempre es bueno trabajar con los mejores en cada área, en cierta forma te asegura en alto porcentaje un buen resultado, pero es mejor si estos capos de cada área son tus mejores amigos. Trabajar con tus amigos genera un ambiente agradable a la hora de grabar y te da la confianza suficiente para tratarlos, ya sea que tengas que felicitarlos por un buen trabajo o levantarlos y dejarlos caer a insultos, si tienes la confianza para hacerlo mucho mejor, sobre todo cuando hablamos de cortos con bajo presupuesto donde no hay sueldos de por medio.Este mismo punto lo podemos dividir en los siguientes:

• Cuenta siempre con un brazo armado: El equipo de producción es otra pieza clave en el desarrollo de un proceso de grabación. A veces la historia requiere de una locación adecuada, contar con determinado número de personas que generen movimiento al interior del cuadro, y como no, un buen catering para sobrellevar los días que pueda tomar tu corto, pero todo esto no se genera en forma espontánea, es necesario que alguien lo consiga por ti, para darte la libertad de dedicarte a grabar y plasmar en la cinta toda tu genialidad audiovisual.
  

Por esto, una pieza clave dentro del equipo será tu productor, a quien podrás recurrir a la hora de las necesidades más insólitas. Un tipo creativo, pro activo y lleno de muy buenos contactos, si tiene buen estado físico, el celular con muchos minutos para gastar y harta paciencia para soportarte mucho mejor.

• Cuida bien la continuidad: Típico, muy acelerado porque el tiempo es oro, grabas la secuencia del pasillo, todo bien, tus actores ok y vamos a la secuencia siguiente que por cuestión de aprovechar el lugar, corresponde al final de la historia, luego cuando volvemos a tomar la secuencia del pasillo un día después, nuestra actriz principal ¡aparece con distinta ropa! ¿cómo se supone que arreglas eso en la post producción?

Por esto y por otros detalles es que se hace primodial tener siempre junto a ti a un tipo que se dedique a llevar el completo control del tipo de plano que acabas de grabar, el vestuario, la posición de cámara, la configuración de iluminación, etc y si es posible que te ayude a supervisar posibles quiebres de eje y ese tipo de errores mucho mejor. Créeme, este trabajo te lo agradecerá tu editor.

• Siéntate a editar con tu amigo: Insistiendo en la idea de que cada parte del equipo debe ser un buen amigo, deribamos en otra pieza clave, nuestro editor.

Siempre ten esto bien en claro, puedes ser el mejor director del mundo, puedes tener la mejor historia jamás contada, pero si no tienes un buen editor que sea capaz de plasmar todo aquello en un buen corte, no eres nadie. Así de categórico. [si no estuviera 100% convencido de ello nunca habría nacido este blog]

Así como el editor no es nadie sin un material de que hechar mano, un director tampoco lo será sin un editor que sea su brazo derecho.

• Un consejo importante. “No te enamores de todo lo que grabas“, si tu editor te dice que por el bien del montaje, su rítmica y todo lo que él muy bien maneja, ciertas tomas no son necesarias o están demás, créele! por favor! después de todo se supone que lo elegiste no sólo por ser el mejor manejando el Avid o el software que sea que ocupes, sino porque además es un buen amigo, que de seguro al igual que tú, sólo quiere lo mejor para tu corto.

• Un casting interesante: Un buen casting puede adelantarte bastante a la hora de grabar. Si eliges al interprete adecuado para cada personaje lo más seguro es que al grabar no debas exigir mucho de cada actor. La gran mayoría de las veces quienes se presentan a nuestros casting son amigos, estudiantes de teatro o aficionados, por lo tanto es de vital importancia echar mano de todo nuestro ojo crítico para elegir.Además puedes hacer de tu casting una experiencia interesante y que puedan recordar, realizar algún tipo de juego o dinámica de grupo también puede ser una buena idea. Por último si no quedan seleccionados saldrán a contarle a los demás que estos tipos hicieron el mejor casting en donde ellos habían estado.

• En cuanto al guión: Acá más que un consejo dejo una opinión. Siempre te dirán que mientras más elaborado tengas el guión mucho mejor, mientras más especificada cada posición y movimiento, miles de plantillas por hacer y teoría aplicada y claro, esto no funciona mal, pero no debemos menospreciar el trabajar con una cuota extra de pasión por sobre la planificación.Personalmente he visto muchos ejemplos de buenas películas con muy poca planificación en lo teórico y sin embargo funcionan, ¿por qué? porque trabajan sobre premisas básicas, en donde una de las principales es en la que tanto hemos insitido, la relación entre los que graban, el grado de amistad y conocimiento que entre ellos pueda haber, facilita montones el llevar a cabo las ideas propuestas.

En Chile tenemos un caso emblemático, la película “La sagrada Familia” se rodó con un poco más de 8 páginas en el guión, nada más… bastó una buena historia, un equipo muy bien afiatado, actores de buen nivel y ya, luego de su presentación se vinieron los premios… con un guión que no tenía más de 8 páginas.

• Poca “pasta” para trabajar: Si tu problema son los recursos, entonces más bien tu problema es la falta de ingenio.

Cuando Robert Rodríguez hizo El Mariachi, trabajó con sus amigos, [eso después de internarse en una clínica como conejillo de indias para generar recursos] algunos salían más de una vez con distinto personaje. Y puedes decir “pero el mariachi es una película muy mala”, y tal vez en algo casi estemos de acuerdo, pero le permitió a Rodríguez abrirse paso en el cine y hacer más dinero del que muchos no hemos tenido jamás, montó un estudio nuevo y se dedicó a rehacer sus películas con mejores recursos.

Así que cuando pienses que no tienes el dinero para hacer esto o aquello, mejor piensa en que careces de ideas para suplirlo y dale una vuelta más.

Fuente: http://www.editando.cl/2008/08/tips-para-tu-primer-cortometraje.html

PERO QUE ES ESTO DE LA CONTINUIDAD Y LOS EJES?

Para colaborar con lo explicado en clases va ooooootro video

QUIEN SALTA UNA SALTA DOS

Y va otro ejemplito de lo que pasa cuando hacemos mal las cosas

SALTANDO.... SA SA SA SALTANDO!

Acá va un ejemplo de lo que pasa cuando no se respetan las reglas del cine... Pero tiaaaa!

MAS LENGUAJE DE CINE

Un videito mas sobre como ser llaman las cosas en cine...

LAS COSAS POR SU NOMBRE...

Una idea muy piola para que todo el mundo comprenda sencillo e in situ el lenguaje cinematográfico

ANTES DE DECIR "LUZ CÁMARA Y ACCIÓN"

Muchachines sale con fritas otro video extraido de http://www.zepfilms.blogspot.com.ar/ y que explica que hacemos antes de filmar pero después del guión.

que le saquen provechoooop!

CHEE, HACEMOS UNA PELI?

Arrancamos con cine señores!

UNA VEZ MAS LISTOS

Después de un lapso sin publicaciones, vamos en estos días a volver con el blog... esten atentos!

MAS PARA UN BUEN RETRATO

Talleres OD: Planos del Retrato

Fuente:http://www.ojodigital.com/foro/content/planos-del-retrato-288/


por Antonio Martín

El alumno ha de reconocer los diferentes tipos de planos fotográficos, las características principales de cada uno de ellos, conocer su nomenclatura, conocer y aplicar las consideraciones necesarias para realizar un retrato básico, así como algunos trucos y consejos que le ayudarán a realizarlos con mayor corrección.

Contenidos

Introducción
Tipos de planos

1. Plano general
2. Plano americano/tres cuartos
3. Plano medio
4. Plano medio corto
5. Primer plano
6. primerísimo primer plano

6.1. El rostro

6.1.1. Perfil
6.1.2. Frontal
6.1.3. Escorzo

7. plano detalle
8.Otras consideraciones del plano fotográfico
dependiendo de la situación de la cámara.

8.1. Cenital y picado
8.2. Normal
8.3. Contrapicado y nadir

Ejercicios

Introducción 

El retrato fotográfico clásico proviene con toda claridad de la tradición pictórica, desde el renacimiento en el siglo XVI hasta nuestros días. Y de este legado podemos sacar las primeras consideraciones que en su conjunto nos darán una idea de como ha evolucionado el retrato, la fotografía toma sus enseñanzas de esa herencia pictórica. la iluminación por regla general provenía del lado derecho y la parte alta. Es lógico pensar que las fotos estaban hechas en el estudio, donde una ventana era la fuente de luz que iluminaba al retratado. La luz siempre viene desde arriba, arriba esta lo divino. Mientras que abajo están las sombras, lo malévolo. La persona retratada no se apoya en ambos pies, lo hace en el pie adelantado. y por regla general nunca se posa con ambos hombros frente al pintor, siempre hay uno adelantado. El izquierdo (corazón) en el caso de las mujeres y el derecho (la mano que sujeta la espada) en el caso del hombre. Sobre este último apartado pueden existir variaciones naturalmente. Dependiendo de la posición del sujeto ante la cámara construimos nuestra colección de planos fotográficos. La luz y el uso de las distintas fuentes para iluminar al sujeto no forman parte de este taller, esos conocimientos forman parte de otro taller, aquí aprenderemos que cada posición recibe un nombre específico. 

Tipos de planos

1. Plano General o entero

En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto. 


Es el plano donde la expresión del modelo es mas difícil de captar, sin embargo podemos hacer hincapié en la postura (pose) y actitud de este hacia la cámara, en definitiva el lenguaje corporal. Por este motivo, la posición de las extremidades y el ángulo de sus hombros hacia la cámara ganan mucha importancia en la composición final. por ejemplo: piernas: cruzadas, flexionadas, extendidas, apoyadas en un objeto, etc Manos: sujetando algún objeto, en los bolsillos, en jarras, en la espalda. El fotógrafo ha de estar muy atento cuando se trate de personas que no saben posar y pierden espontaneidad, por lo tanto debe tener preparadas una serie de poses, clásicas o no, y aplicarlas en el momento que sea oportuno. 

Consejo:

En este tipo de retratos el fondo acapara una buena parte de atención, ha de saberse incluir en la fotografía de manera que no reciba mas atención que el propio retratado, el fondo es un complemento pero no lo mas importante, en estos casos el uso de fondos neutros es lo mas aconsejable, por otro lado, el uso de una profundidad de campo adecuada podrá hacer que el fondo se desvanezca lo suficiente como para que no pierda protagonismo el retratado. Si la sesión se realiza en el exterior, no cabe duda de que una buena localización va a dar un atractivo especial a la foto, en todo caso si de lo que se trata es un retrato, cuidado con la atención que recibe el fondo, ya que este podría convertirse en un paisaje con elemento humano, más que en retrato con plano general.

Uso de unas lentes adecuadas.

A tenor de lo dicho en el párrafo anterior, el uso de teleobjetivos nos permitirán jugar a nuestro antojo con el fondo, desvaneciéndolo usando una profundidad de campo adecuada. Por contra el uso de angulares, aunque nos proporcionen un ángulo de visión mucho mas amplio, ha de usarse con sumo cuidado, pues se pueden crear deformaciones producidas por la lente que nos harán un flaco favor en la composición final de la fotografía. Estas lentes son poco recomendables para primeros planos, como veremos mas adelante, pues pueden deformar considerablemente los labios, agrandar la frente, etc.

Otro consejo útil: 

Recortar de revistas aquellas poses que por su simpleza, belleza, versatilidad u otras características nos puedan ser útiles. No improvisar, tener todo preparado e incluso un plan B por si todo falla.

No nos olvidemos del contexto, en muchas ocasiones este será fundamental para situar al sujeto en su entorno mas cercano y cotidiano donde aflore su personalidad, su carácter. La fotografía no sólo es técnica, hable con la persona a retratar, observe sus gestos su forma de comunicarse e intente plasmar esos rasgos en la fotografía, una mueca, una sonrisa, un gesto particular. Cada fotografía pretende contar una historia, si el que observa, no es capaz de captar nada, ni siquiera una mínima sensación, habremos fracasado. 

2. Plano Americano/Tres Cuartos

También llamado plano tres cuartos.

El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando. 

La inclusión de las manos en este tipo de plano es fundamental y podemos hacer uso de ellas para incluir algún objeto que aporte algún tipo de información sobre el retratado, un libro, un abanico, una herramienta, un instrumento musical, un tarro de perfume, etc. En el caso de retratar a modelos, las manos pueden ir dirigidas al pelo, la cara o algún tipo de accesorio, colgante, reloj, etc. 

3. Plano medio


El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda. También es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas. 

Atención:

En este plano influirá el hecho de hacer la fotografía en formato vertical u horizontal. Eligiendo la primera opción, el personaje ocupará la gran mayoría de la escena y el fondo pasará desapercibido.

4. Plano Medio Corto 

El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.


5. Primer Plano


El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje. 

Consejo: 

Es tremendamente útil recurrir a encuadres verticales, reservando los horizontales para cuando tomemos imágenes en las que el rostro se acompaña con gestos de las manos o queramos jugar con el aire de la imagen. es primordial que en estos tipos de planos los ojos , por su gran protagonismo queden con la nitidez suficiente, rechazando aquellos donde el foco quede adelantado (sobre la nariz) o atrasado (en las orejas).

6. Primerísimo Primer Plano


El Primerísimo primer plano capta el rostro desde la base del mentón hasta la punta de su cabeza. Con este tipo de encuadre, el primerísimo primer plano consigue también dotar de gran significado a la imagen. 

El primerísimo primer plano suele caracterizarse por la desaparición de la parte superior de la cabeza y la fijación del límite inferior en la barbilla del personaje. La carga emotiva se acentúa y la atención en el personaje es prácticamente total. 

Tanto el primer plano como el primerísimo primer plano se consideran como un reto técnico, el fondo ha desaparecido de la escena y el lenguaje corporal queda concentrado en el rostro y son las expresiones faciales las que acaparan este tipo de fotografías, por lo tanto la elección de un buen objetivo, la profundidad de campo y un buen uso de la iluminación son los que harán posible el éxito de nuestro trabajo. 


6.1 El rostro


El rostro se divide en tres partes claramente diferenciadas: dos mejillas y la frente, que a su vez se divide en dos mitades simétricas. La posición del rostro respecto a su eje de simetría nos condicionará la siguiente manera de diferenciar mas si cabe los distintos planos. 


Modos de fotografiar el rostro:




6.1.1. el perfil, el cual muestra el rostro sólo desde un lado. Sólo una mejilla y un ojo aparece en la imagen. En el arte es uno de los planos mas usados.

Consejo:

Atención con personas con la nariz grande o barbilla prominente, en este tipo de plano son difíciles de esconder (la iluminación puede jugar un papel determinante), por lo tanto tomarán en la foto mucho protagonismo, llegando incluso a ganar la partida a la atención propia del ojo.

6.1.2. frontal, de frente como su propio nombre indica.



6.1.3. Escorzo, muestra tres de las cuatro partes del rostro, donde la nariz marca el eje del retrato. La mejilla que se ve queda del mismo lado que el eje de la cámara la otra mejilla queda del otro lado del eje. El lado que esta hacia la cámara se llama lado ancho y el otro lado estrecho.

Consejo:

No dejar que la nariz sobresalga por la mejilla mas alejada, esto crea un efecto de nariz alargada normalmente desagradable.

Otra clasificación atendiendo a la posición del rostro con respecto al cuerpo es la siguiente:



- Perfil trasero

El rostro nos marca el perfil, al tiempo que el modelo nos da la espalda, sólo aparecen un ojo y una mejilla.




- Tres cuartos trasero

La cabeza gira viéndose ambos ojos y mejillas, al tiempo que el modelo nos sigue dando la espalda.



- Frontal

Como su nombre indica el modelo se sitúa frontalmente a la cámara, aun pudiendo mantener una posición con un hombro adelantado, cuando es así, por regla general el peso recae en la pierna adelantada.




- Tres cuartos delantero

El rostro se muestra como un escorzo y en este caso el cuerpo se nos muestra de frente la cámara o ligeramente girado.




- Perfil frontal

Un solo ojo y mejilla con el cuerpo girado al frente.



7. Plano detalle



El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro.

En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.


8. Otras consideraciones del plano fotográfico.

Si tenemos en cuenta el ángulo o punto de vista que toma la cámara en relación con el modelo podemos hacer otra clasificación, esta puede aplicarse a todos los tipos de planos anteriormente citados y es la siguiente:

8.1. Picado y cenital.

Se llama plano en picado cuando la cámara se sitúa por encima de los ojos del sujeto, transmitiendo la sensación de que éste está en una posición débil, de inferioridad con respecto a la persona que ve la foto. Llevado al extremo máximo, colocaremos la cámara sobre el sujeto a fotografiar, entonces se llama plano cenital.

plano picado

plano cenital

8.2. Normal

Suele ser el más habitual y sólo transmite la imagen tomada. No suscita en el vidente ninguna sensación mayores, como en el caso del picado o como veremos el contrapicado. La cámara se sitúa a la altura de los ojos.


8.3. Contrapicado y nadir
Llamamos contrapicado al plano conseguido con la cámara situada por debajo de los ojos del sujeto, pero apuntando a éstos. Justo lo contrario que el picado.

Generalmente con este tipo de plano se consiguen imágenes en las que el sujeto fotografiado se muestra como alguien superior, más poderoso que el que está viendo la imagen. Por su tendencia a elevar “por encima de los mortales” al sujeto, el contrapicado fue usado habitualmente en la propaganda de corte fascista (en la Alemania nazi).

Por cierto, cuando el contrapicado se extrema tanto que la cámara apunta en línea recta hacia arriba, el plano recibe nombre de nadir.

plano contrapicado

plano nadir

ATENCIÓN!!! ESTOS EJERCICIOS SON UNA BUENA GUÍA PARA EMPEZAR CON LOS PLANOS PERO NOSOTROS BUSCAMOS UN RETRATO ÍNTEGRAMENTE BIEN REALIZADO (INCLUIDA LA ILUMINACIÓN)

EJERCICIOS:

Los alumnos del taller presentaran sus retratos, haciendo una clasificación por planos de los mismos.
No se valorará la iluminación, por contra, si el conocimiento de saber por donde cortar la imagen, para convertirla en un tipo de plano concreto, así como situar al modelo para que su pose se nos presente dentro del plano con corrección y naturalmente sabiendo llamar a cada uno por su nombre.


Ejercicio 1.- el plano general, colocar al retratado dentro de la escena (uso de la regla de los tercios)

Ejercicio 2.- Plano americano (inclusion de las manos)

Ejercicio 3.- Plano medio y convertir este en plano corto, primer plano y PPP reencuadrando sobre la misma fotografía.

¿CÓMO HACER RETRATOS? PRIMEROS PASOS

Fuente: http://www.dzoom.org.es/ (autores varios)

Retrato Fotográfico

Los retratos son una temática de la fotografía muy recurrente a la vez que complicada. Conseguir retratos sublimes es algo al alcance de muy pocos, ya que el proceso es bastante más complejo de lo que pueda parecer en un principio, pero aplicando una serie de reglas y consejos básicos en la preparación de la sesión fotográfica, en el momento de hacer las fotos, y en el tratamiento posterior de las imágenes nos permitirá conseguir unos resultados más que aparentes. En dZoom hemos querido recopilar todos esos consejos y técnicas en un solo artículo para que tengas una referencia de partida a la hora de trabajar el retrato fotográfico. Esperamos que te gusten.

7 Sencillos Consejos para Ayudarte a Conseguir Retratos Inolvidables

Muchos sabios de la fotografía dicen que toda foto cuenta una historia: habla de un momento, una situación, sus emociones, un recuerdo... Tanto tu vida como la mía se encuentra irremediablemente ligada a personas, protagonistas -en la mayoría de los casos- de esas historias, copartícipes contigo de ese momento inolvidable. Captar una historia a partir de la expresión de un rostro, una mirada, una pose coqueta, lo que quieras, me parece uno de los desafíos más apasionantes de la fotografía y ante el cuál no puedo más que sentirme pequeño, incluso indefenso con la cámara en mis manos. Tal vez por ello no me haya animado antes a darte unos consejos para conseguir retratos inolvidables. Pero hoy he dicho ¡caramba!, esto va de lanzar ideas y de experimentar así que, ¡demonios!, voy a arrancarme con unos consejos básicos que te puedan ayudar a inmortalizar y conseguir tus mejores retratos. ¡Adelante!

Enfoca a los Ojos

Los ojos son un imán para nuestra atención: son un elemento clave en la comunicación y por eso deben tener un papel central en nuestros retratos. Salvo que quieras centrarte específicamente en una parte del rostro (por ejemplo, los labios), enfoca a los ojos. Especialmente cuando trabajes con profundidad de campo muy reducida (valores de F bajos). Unos ojos penetrantes, bien enfocados suelen causar un efecto impactante.

Usa un Fondo Simple

Si hablamos de retratos, nos suele interesar centrar la atención lo más posible en la persona. Busca que esta contraste lo más posible sobre el fondo. Juega con aperturas reducidas y fondos lo más simples y homogéneos posible. Evita, en la medida de lo posible que haya líneas muy definidas que corten el sujeto de tu retrato en 2 o 3 partes. En definitiva, reduce lo más posible los elementos que puedan distraer de la contemplación de la persona que estás fotografiando.

Sácalo del Centro

Estoy visualizando la típica foto: una persona fotografiada a medio cuerpo y con la cabeza en el centro geométrico del marco. Estas composiciones raramente funcionan bien. No te obsesiones con centrar tu retrato en el marco. Busca más bien los extremos. No te olvides de la regla de los tercios y sitúa algún elemento (ojos, labios) en los puntos de atención del marco. A veces la belleza se esconde en pequeñas imperfecciones o enelementos no pareados.

Corta con el Encuadre

Esto no es CSI. No es necesario recoger todos y cada uno de los pixels de la persona que vas a retratar. A veces un encuadre en que ciertos elementos quedan fuera ayudan a centrar la atención sobre los puntos más llamativos de tu retrato. Por ejemplo, encuadres en los que se recorta ligeramente por encima de la mirada suelen funcionar bastante bien porque ayudan a centrar la vista en los ojos.

Cerca, Más Cerca

No lo uses como una ley que siempre has de cumplir. Pero en general, no renuncies a acercarte un poquito más. Ten claro que es lo que tiene que aparecer en tu foto y no metas ni un elemento superfluo más. Si no lo conseguiste en tiempo de disparo, recuerda que luego puedes ayudarte a reencuadrar con tu editor favorito: esta es una técnica que usan incluso los más aférrimos enemigos del Photoshop

Evita la Luz Directa

La luz molesta hace que, por mucho que lo intentemos tendamos a cerrar los ojos. Y si nos obligamos a abrirlos, forzamos la postura natural del rostro. Evita luces directas e intensas. Pero, ¡cuidado!, no vaya a ser que evitando la luz directa vayas a incurrir en un contraluz ¿vale?

¿Sólo Personas?

Pues claro que no. De hecho, en muchos casos, los animales de compañía son uno más de la familia. Todos hemos visto grandes "retratos" de animales: simpáticos, divertidos, tiernos... Puedes aplicar con ellos estos mismos consejos seguro de que estarás en el buen camino para conseguir una instantánea de la que presumir con tus amigos.

Dispara, Dispara, Dispara

Sí: ya lo sé. Me acabo de devanar los sesos con este consejo. Pero es que una de las mayores ventajas de la fotografía digital es que disparar es gratis. Así que, en retratos, como en el resto de estilos, no te canses de disparar. Guarda todas las fotos y luego analízalas tanto solo como en compañía y descubre cuáles son las que más gustan y, sobre todo, toma nota de por qué y en qué circunstancias. No está de más tenerlo en cuenta para la próxima sesión de retratos.

VIEJO PERO CLARO

MAS SOBRE LA COMPOSICIÓN

Un videito de nivel universitario hecho nada mas y nada menos que en 1982 a puro pulmón... muy claro en todo lo que hace a composición

El lenguaje del arte

  El Chinolope vendía diarios y lustraba zapatos en La Habana. Para salir de pobre, se marchó a Nueva York.

  Allá, alguien le regaló una vieja cámara de fotos. El Chinolope nunca había tenido una cámara en las manos, pero le dijeron que era fácil:
      - Tú miras por aquí y aprietas allí.

  Y se echó a las calles. Y a poco andar escuchó balazos y se metió en una barbería y alzó la cámara y miró por aquí y apretó allí.

  En la barbería habían acribillado al gangster Joe Anastasia, que se estaba afeitando, y esa fue la primera foto de la vida profesional de Chinolope.

  Se la pagaron una fortuna. Esa foto era una hazaña. El Chinolope había logrado fotografiar la muerte. La muerte estaba allí: no en el muerto, ni en el matador. La muerte estaba en la cara del barbero que la vio.

Eduardo Galeano

Una foto dirá mucho mas que mi palabras si sabemos que queremos decir.

QUE ES COMPONER?

Fuente:http://www.dzoom.org.es/noticia-1479.html

Las 13 Reglas de Composición Fotográfica Fundamentales que Deberías Conocer

¿Cual es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los colores han salido correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar una foto, que son las "reglas de composición". Dependiendo de con quien hablemos, nos darán unas reglas u otras. En el siguiente artículo repasamos algunas de las más relevantes a modo de resumen.

1. Identifica el centro de interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto?Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.

2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.

3. Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

4. Trabaja el flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.

Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

6. Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.

8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de losnúmeros impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

9. La regla de los tercios

Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.

Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

10. El espacio negativo

Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional desoledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.

11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

12. El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ...

Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

13. Las curvas en S

Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

Resumen

En este artículo hemos querido mencionar algunos de los elementos compositivos fundamentales de la fotografía. Algunos son relativamente fáciles de aplicar, mientras que para otros dependemos de ciertas condiciones del entorno. Lo importante es conocerlos y recordarlos a la hora de hacer fotos, porque con su observación y su recuerdo empezaremos a encontrarlos cada vez con más facilidad en nuestras prácticas de fotografía.